vies et jazz, des années 50 à aujourd’hui « C’est une histoire d’amour, c’est une histoire de jazz… Racontée, jouée, belle et vivante. » Ce sont les premiers mots murmurés par Émilie Souillot dans son premier film, le documentaire Histoire (s) de Jazz, Le Hot Club de Lyon qui s’attache aux petites histoires qui font la vie et la grandeur d’un lieu. Le Hot Club de Lyon existe depuis plus de soixante ans, il a une grande histoire que la réalisatrice a voulu aborder le plus chaleureusement possible, sans la froideur qui peut être celle des documentaires historiques, car le jazz, n’est-ce pas la vie et ses imprévus ? Elle a laissé les souvenirs ressurgir, les rencontres dévoiler leurs trésors, leurs éclats de rire, leurs interrogations… Réalisation : Émilie Souillot 52 min, 2010 Distribué en salles et disponible en DVD (contact [@] eclorecreations.com) Synopsis et réflexions Autour du film Filmer le jazz Autour du film La réalisatrice Émilie Souillot a saisi quelques fragments du jazz joué au Hot Club de Lyon, du trio de Jean-Charles Demichel aux solos du saxophonistes Jon Bouteiller. Elle saisit en plan-séquence l’intégralité de Take the A Train de Duke Ellington joué par The Happy Stompers, avec le regard de celui qui découvre pour la première fois un Big-Band en live ― car elle n’avait, en effet, jamais assisté à un concert de Big Band auparavant. Histoire (s) de Jazz, Le Hot Club de Lyon est donc un film à l’ambiance intimiste, dominé par les voix subjectives de ses différents protagonistes, tous des personnes passionnées (musiciens ou simples amateurs de jazz) qui écrivent encore aujourd’hui l’histoire du Hot Club de Lyon. Le musicien Jean-Louis Billoud dans le film Histoire(s) de jazz, Le Hot Club de Lyon. C’est un film qui reconnaît les faiblesses de la mémoire (Boris Vian est-il réellement venu ?), qui embrasse tout ce qui fait l’humanité de ce lieu et de cette musique, à travers quelques histoires sur Chet Baker et Oscar Peterson, sur le saxophoniste Raoul Bruckert qui fut l’un des piliers du lieu… Sans oublier les débuts excitants mais parfois difficiles du Hot Club de Lyon, racontés par Jean Janoir et son épouse Michelle qui nous ont quitté depuis. Dans le film, « on construit tous sa propre vérité surtout autour d’un lieu qui fut le cœur de nombreux échanges et rencontres, donc d’histoires », comme l’écrit Émilie Souillot avec justesse. Que vous soyez amoureux de jazz ou non, vous sortirez sans doute d’Histoire (s) de Jazz, Le Hot Club de Lyon comme Philippe Lacroix émergeait des longues nuits passées à vivre le jazz dans ce lieu, comme il le raconte dans le film : « …Et puis on avait les oreilles qui sifflaient aussi en sortant, parce qu’on arrive dans le silence de la nuit, dans la rue. Plus de bruit, alors qu’on avait entendu… alors les oreilles sifflaient pendant un certain temps. C’est comme, après l’amour, on dit il y a des moments agréables et là aussi c’était après le jazz il y avait cette espèce d’ouate, de coton dans lequel on était qui prolongeait un petit peu l’ambiance… » Filmer le jazz Histoire (s) de Jazz, Le Hot Club de Lyon se nourrit des recherches entreprises par la réalisatrice Émilie Souillot, sur le Hot Club de Lyon et le jazz au cinéma. Peut-on filmer le jazz ? C’est pour tenter de répondre cette question que la réalisatrice a contribué en mai 2011 à l’ouvrage collectif Filmer le Jazz (Presses Universitaires de Bordeaux, sous la direction de Thierry Maligne) qui réunit réalisateurs (Bertrand Tavernier, Frank Cassenti), danseurs (Fabien Ruiz), écrivains et chercheurs (Michel Chion). Émilie Souillot a ainsi communiqué quelques unes de ses recherches et réflexions de son mémoire de master d’études cinématographiques et audiovisuelles (Université Lumière-Lyon 2, 2009). Générique Production et réalisation : Émilie Souillot Avec Jean et Michelle Janoir, Jean-Louis Billoud, Jean-Charles Demichel, Gerard Vidon, Jacques et Philippe Lacroix… Images : Sébastien Guignard et Émilie Souillot Son : Simon Dufour Montage : Émilie Souillot Post-Production et conception graphique : Jérémy Zucchi DV – Durée 52 min – Son stéréo – Couleurs, 16/9 – 2010 Distribué en salles et disponible en DVD.   Presse Adhérer à Eclore ou faire un don

Transmettre aux enfants la mémoire de la résistance Les Amis de la Fondation pour la Mémoire de la Déportation (AFMD) œuvrent pour que l’oubli de l’extermination de masse organisée par les nazis ne s’installent pas dans nos conscience. La délégation du Rhône de l’AFMD a voulu garder une trace de ses actions auprès des enfants et adolescents, et des témoignages recueillis auprès de ceux qui ont été victimes du nazisme et n’ont cessé de le combattre. De 2008 à 2010, La Force de résister s’est construit au fur et à mesure des ateliers réalisés par l’AFMD du Rhône dans des écoles primaires de la banlieue Lyonnaise (Vaulx-en-Velin et Villeurbanne), du voyage à Berlin et au camp de Ravensbrück par des élèves de troisième du collège Maurice Scève de Lyon Croix-Rousse, et des rencontres avec d’anciens résistants et déportés lors d’interviews et de conférences. Marie-Jo Chombart de Lauwe, Simone Grandjean, Stéphane Hessel, Maurice Luya et Marcel Roche témoignent pour que les enfants connaissent et n’oublient pas ce qu’ils ont vécu. Réalisation : Émilie Souillot et Christelle Thomassin Production : AFMD – délégation du Rhône 1 heure 26, 2012 Distribué en DVD par l’AFMD – délégation du Rhône (nous contacter à contact [@] eclorecreations.com) Synopsis et Réflexions Autour du film Texte de Christelle Thomassin Autour du film Les réalisatrices Émilie Souillot et Christelle Thomassin ont construit La Force de résister à partir de ces actions, un document dont se dégage une force inédite grâce au contraste entre le passé et le présent, les témoins et les enfants qui les écoutent et vont tenter de transmettre à leur tour le souvenir de la résistance et de la déportation. Des chemins douloureux de Ravensbrück aux valeurs fraternelles de la Déclaration universelle des droits de l’Homme et du citoyen, c’est une aventure humaine qui doit être découverte est partagée, car le devoir de mémoire implique la nécessité de transmettre ce que nous ne pouvons parfois pas même entendre ou concevoir, et qui pourtant est réel. La Force de résister est un film qui parle de la résistance et de la déportation au présent, même si ceux qui y témoignent, anciens résistants et déportés, s’éteignent peu à peu. Le but de ce film est que la flamme qui les anime reste vivante dans la pensée des enfants, élèves de primaires ou collégiens qui ont participé aux voyages et ateliers de l’AFMD du Rhône, et de ses spectateurs. Avec très peu de moyens pour réaliser ce long-métrage, les réalisatrices de La Force de résister ont saisi les souvenirs douloureux des anciens résistants et déportés avec une grande pudeur, mais avec aussi les éclats de rire de ces enfants qui vivent libres grâce à ceux qui ont combattu le nazisme. Entre ateliers, découvertes des lieux et témoignages, La Force de résister évoque le pouvoir que l’art possède de transmettre les faits et les valeurs défendus par les résistants et victimes du nazisme. Texte de Christelle Thomassin La création comme résistance Au sein même des camps de concentration, la culture a pu persister malgré tout pour que l’humanité survive. En effet, seules les activités culturelles/artistiques clandestines ont pu se préserver d’un monde trouble où SS et déportés rient ensemble quel qu’en soit le prix. L’œuvre inachevée de Germaine Tillion, Le Verfügbar aux Enfers, une opérette à Ravensbrück, témoigne brillamment des potentialités de l’art – dans le cas présent, une vigoureuse et virulente dénonciation du système concentrationnaire sur le mode d’une opérette où les détenues n’ont pas encore dit leur dernier mot. Car « les mésaventures du Verfügbar ne l’empêchent pas de conserver entrain et bonne humeur. Il égrène ses déconvenues sur des airs d’opérette et de chansons populaires » (Tillion). Cette bonne humeur au milieu du désastre est un geste typique du burlesque cinématographique ; son usage ici inattendu est une façon d’affirmer une résistance de l’humain envers et contre tout ». (M. Losco-Léna, Rien n’est plus drôle que le malheur) Cette « résistance de l’humain envers et contre tout », ici au moyen d’un art mineur, l’opérette, n’est peut-être pas sans nous rappeler les réflexions menées par le philosophe Ernest Cassirer nous rappelant que « dire non est l’acte initial par lequel l’homme s’élève au-dessus de l’animalité » car « la conscience humaine s’éveille quand le cri n’est pas un cri de demande, traduisant un besoin biologique […] mais un cri de refus ». Un cri de refus pouvant être sublimé par l’imagination (et par l’art) puisque en raison de  « […] sa capacité à disjoindre et de joindre de manière neuve les données offertes à la perception, elle permet de refaçonner l’univers conformément à nos intentions. » (Christophe Bouriau, Qu’est-ce que l’imagination ?) Par l’écriture d’une opérette en prise directe avec la réalité concentrationnaire, qui nous est offerte sous un autre régime des perceptions, en faisant œuvre de résistance, où « survivre [constitue] l’ultime sabotage »(préface à Opérette à Ravensbruck), Germaine Tillion manifeste avec l’art son refus quotidien de la déshumanisation programmée par le système concentrationnaire nazi. Ce refus de la déshumanisation programmée, instituée en système sur laquelle repose toute une économie, ce refus de la mort comme banalité quotidienne se trouve également au cœur de la démarche de Zoran Music lorsqu’il réalise clandestinement des dessins au camp de Dachau : « Le peintre avait en charge ces corps dont personne ne s’occupait, à qui nul ne rendrait le devoir de les ensevelir. Il les portait dans ses yeux comme on porte un corps dans ses bras. Les regardant, il leur témoignait les derniers égards. Les dessinant, il les voyait. Les découvrant, il posait sur leur nudité scandaleuse le voile miséricordieux du regard. » (Jean Clair, La barbarie ordinaire. Music à Dachau, p. 39) Ce qui aurait pu s’apparenter à un travail de documentation visuel, tel un reportage saisi dans l’œil du cyclone, demeure dans le sillage de l’art. Un art sacré, dans un lieu voulu sans sépultures, finement perçu par Jean Clair qui, n’hésitant pas à rapprocher les dessins du peintre à l’art antique des imagines maiorum (« effigies des ancêtres ») – cette « obligation faite aux vivants de façonner et de garder l’image

De la peinture aux pixels, à 73 ans Au « secret des secrets », nous dit un poème de Jean Janoir (1929-2012), nous n’aurons jamais accès. C’est pourtant ce que va tenter Janoir, une vie à peindre en retraçant le parcours atypique de cet homme qui, à l’âge de 73 ans, a décidé de continuer sa peinture par ordinateur, maîtrisant les brosses de Photoshop comme les pinceaux d’hier. C’est par nécessité qu’il s’est ainsi métamorphosé : en 1995, une grave opération l’avait obligé à rester le plus souvent assis. Malgré la mort, malgré la maladie qui l’empêchait de peindre debout, de danser devant ses toiles, Jean Janoir a continué à être acteur et auteur de son œuvre grâce au numérique. Réalisation : Émilie Souillot et Jérémy Zucchi, 2013. Production : JPL Productions et Cinaps TV avec le soutien du CNC. 53 minutes, 2013 Projections du film Ce film peut-être librement projeté, dans un but non-commercial exclusivement, lors d’évènements gratuits, ainsi que dans un cadre pédagogique ou périscolaire. Pour cela, envoyez un mail à contact [@] eclorecreations.com Dossier de présentation (PDF) Synopsis Le peintre était comme un arbre solide dont les branches repoussent sans cesse, explorant les possibles pour s’épanouir. Janoir semblait pouvoir sans cesse se métamorphoser pour passer d’un support à l’autre, tout en restant lui-même ; il semblait avoir la force de toujours se relever. Il fut guitariste de jazz, peintre avec des brosses réelles ou virtuelles, concepteur de décors et de costumes d’opéras, sculpteur, designer d’intérieur, poète. Janoir, une vie à peindre raconte la vie d’un homme qui a fait le choix de vivre dans son art, qui a accédé à une certaine notoriété grâce à ses costumes et décors d’opéras, a réalisé d’immenses toiles de commande, avant que le temps passe et le vent tourne ; il s’est replié chez lui puis a sombré dans l’oubli. Jean Janoir et son épouse Michelle Bouix sont morts tous les deux au début de l’année 2012. Les œuvres et leurs biens ont été vendus et dispersés à bas prix lors d’une vente judiciaire en octobre. C’est l’histoire d’une renaissance de soi-même, par l’art qui transmet l’espoir fou de toujours rester en vie… Ce n’est pas seulement un documentaire sur la vie et l’œuvre d’un peintre, mais le portrait de deux amis, décédés à un mois et demi d’intervalle. En effet, depuis qu’Émilie Souillot réalisa Histoire (s) de Jazz, le Hot Club de Lyon (52 minutes, 2009) sur le club de jazz dont Janoir fut un des musiciens fondateurs, les réalisateurs de Janoir, une vie à peindre étaient devenus les « petits-enfants de cœur » de Jean et de Michelle, comme cette dernière aimait les présenter. Le portrait d’un artiste tel que Jean Janoir aurait pu servir de base à une analyse du déplacement de l’œuvre vers le virtuel, ou à une histoire du processus de décentralisation culturel à Lyon au cours des années soixante, mais ce film est surtout le cri étouffé d’un vieil homme malade, retranscrit par une jeune femme et un jeune homme. C’est pourtant un film rempli d’espoir, malgré la certitude de la mort, ses réalisateurs n’ayant pas souhaité faire de leur film un éloge funèbre, mais une exaltation de la vie qui déborde des œuvres de Jean Janoir et du sourire de son épouse Michelle. Générique Production : JPL Production et Cinaps TV avec le soutien du CNC Réalisation : Émilie Souillot et Jérémy Zucchi Avec Jean Janoir, Michelle Janoir, Pierre Arrivetz, Jean-Jacques Lerrant, Régis Neyret, Jacques Ray, Damien Voutay… Musique : Émilie Souillot (piano), Élodie Poirier (violoncelle et nyckelharpa) et Jérôme Bodon-Clair (guitare) Image et son : Émilie Souillot et Nicolas Folliet Montage : Pierre-Louis Vine Enregistrement de la musique : Benoît Bel, studio Mikrokosm Moyens Techniques : Cinaps TV / Jeudi 15 Chargé de production : Yoann Nurier Producteur délégué : Jean Pierre Lagrange HD – Durée 52 min – Son stéréo – Couleurs, 16/9 – 2013 Musique du film Playlist Intentions et création Playlist Le Phoenix de Pandore · Janoir, une vie à peindre (BO) Intentions et création Créer la musique d’un film documentaire Compte tenu de son importance de la musique dans la vie de Jean Janoir, guitariste de jazz dans sa jeunesse, la musique a revêtu une importance plus grande que pour un autre film documentaire. La présence de la femme en robe rouge dans Janoir, une vie à peindre nous a permis de proposer des échappées mentales et lyriques où la musique peut s’élever et s’étendre, à la différence des entretiens où elle est soit absente, soit en retrait. Nous imaginions une musique en permanente évolution, force en mouvement qui se métamorphose. Écriture et improvisation La conception de la musique a reposé sur un mélange d’écriture préalable et d’invention au moment de l’enregistrement (certains morceaux, tel le Lumineux tango ci-dessous, ont été entièrement improvisés). La co-réalisatrice de Janoir, une vie à peindre, Émilie Souillot, a composé et interprété les parties au piano, tandis qu’Élodie Poirier (violoncelle et nickelharpa) et Jérôme Bodon-Clair (guitare) ont improvisé les lignes de leurs instruments. Le trio n’avait jamais joué tous les trois ensemble avant le jour de l’enregistrement. Ce dernier a duré une seule journée, mais « avec Élodie, à force d’improviser sur ce qui était déjà existant, on a pu se laisser aller » explique Émilie. Certains morceaux ont été joués en respectant un minutage précis, ayant été conçus pour des séquences spécifiques, déjà montées, tandis que d’autres ont été enregistrés librement, comme un fil de notes pouvant être librement cousu dans la trame du montage, selon nos besoins. La musique a été enregistrée par Benoït Bel dans son Mikrokosm Recording Studio, à Villeurbanne. C’est brut, enregistré d’un seul trait, sans mixage ultérieur faute de temps. Nous tenions de toutes façons à conserver un son proche du live, rappelant celui des sessions de jazz enregistrées en commun autrefois. Nous tenions aussi à faire entendre la rudesse archaïque du nickelharpa (instrument traditionnel suédois), confronté à l’ampleur du violoncelle, à l’intimité du piano, à la nonchalance énergique d’une guitare électrique jouée façon blues. Quel

Danse Hip-Hop et chant classique : le récit d’une création unique Du chant, des rires, des voltiges. Deux mondes, une rencontre. Une Rencontre, Pockemon Crew + Emelthée raconte la rencontre improbable des meilleurs danseurs de hip-hop au monde, les champions du monde Pockemon Crew, et du chœur classique Emelthée. Pendant deux mois de répétitions intenses, chacun va aller vers l’autre. Les danseurs vont apprendre à chanter, les chanteurs à danser. Dans les cadres superbes de l’Opéra et de l’Auditorium de Lyon, c’est une petite utopie artistique mais réelle, avec de grands éclats de rire et des moments d’émotion portés par les morceaux sublimes de Peterson-Berger. Réalisation : Jérémy Zucchi 29 minutes, 2016 Synopsis Une Rencontre, Pockemon Crew + Emelthée est l’histoire de la rencontre des deux directeurs artistiques de ces compagnies, Marie-Laure Teissèdre d’Emelthée et Riyad Fghani de la Cie Pockemon Crew, qui confrontent leurs parcours et leurs méthodes de travail. Le second canalise l’énergie incroyable des danseurs pour l’insuffler dans ses chorégraphies, tandis que la première dirige les chanteurs et chanteuses d’Emelthée par l’évocation d’images et des émotions qu’elle souhaite obtenir. La rigueur et la poésie mêlés font naître l’œuvre. Chanteurs, danseurs et directeurs artistiques vont utiliser leurs différences pour créer un spectacle unique mêlant breakdance et musique classique. Une Rencontre, Pockemon Crew + Emelthée n’est pas un film avec de grand discours, mais avec de grands et de petits gestes qui montrent comment se construit une œuvre ― et pourquoi pas notre société de demain ? Car créer ensemble, c’est une évidence.   Générique Réalisation : Jérémy Zucchi. Avec l’aide indispensable de Serge Bufferne (ancien président du Chœur Emelthée) et Pierre Fronton (ancien président de la Cie Pockemon Crew). Direction artistique et musicale (Emelthée) : Marie-Laure Teissèdre. Direction artistique (Pockemon Crew) : Riyad Fghani. Images et son : Émilie Souillot et Jérémy Zucchi, avec le matériel prêté généreusement par la société de production Lyonnaise Camp de Base. Avec Marie-Laure Teissèdre, Riyad Fghani, Christophe Falcoz, les chanteur du Chœur Emelthée et les danseurs de la Cie Pockemon Crew. Altos : Claudine Charnay, Mélanie Guerimand, Sophie Maksoudian, Caroline Marmond, Fanny Mouren, Anne Vincent, Majdouline Zerari (soliste). Barytons : Nicolas Josserand (soliste), Mickaël Kourganoff, Pierre Pageault, Jacques Plassard, Nathanaël Tavernier. Danseurs : Junior Bordeau, Medhi Meziane, Hyacinthe Vallerie, Patrick M’Bala Mangu, Farès Baliouz, Moncef Zebiri, Nagueye Mahmoud, Maxime Vicente. Instrumentistes : Junko Fukuda-Gros (piano), Marion Sicouly (harpe), Anaïs Belorgey (violoncelle). Sopranos : Delphine Ardiet, Annabelle Bayet, Charlotte Dutournier, Marie-Frédérique Girod (soliste), Stéphane Meygret, Marina Ruiz. Ténors : Julien Drevet-Santique, Artiom Kasparian, Vincent Laloy, Grégoire Morichoux, Marc Scaramozzino. HD – Durée 29 min – Son stéréo – Couleurs, 16/9 – 2016. Adhérer à Eclore ou faire un don

N.B. : Ce projet a évolué pour devenir le film La Maison de la sorcière (voir sur le site du réalisateur Jérémy Zucchi). Sorcières d’encre sera un long-métrage documentaire évoquant le processus des procès de sorcellerie à travers l’histoire de six femmes arrêtées pendant l’automne et l’hiver 1519 dans la Montagne ardéchoise, et les créations de six artistes, femmes invoquant, réinvestissant, réactualisant la figure multiple de la sorcière à travers des arts différents (notamment Marianne Vinégla Camara qui s’est glissée dans la peau de la prétendue sorcière Catherine Peyretone dans Brûlures vives). Le réalisateur Jérémy Zucchi a d’abord entrepris le film comme un moyen d’expression intime par les images, recréation expérimentale du premier film auquel il participa à quatorze ans, esquisse de documentaire sur Catherine Peyretone, condamnée pour sorcellerie à Montpezat-sous-Bauzon. C’est à la cime de la Prade, la prairie de ce petit village situé au pied du plateau ardéchois, que cette femme fut brûlée vive, selon la tradition populaire, le 12 octobre 1519. Cet événement ne peut être évoqué hors du processus de contamination systématisé qui mena à l’arrestation de cinq autres femmes. Au Roux, un peu plus haut dans la montagne, Jeanne Chareyre fut arrêtée dès fin septembre, puis survint l’arrestation simultanée d’Agnès Colomb, Catherine Lashermes, Béatrice Laurent et Catherine Vesse, saisies, jugées, parfois torturées par les moines de l’abbaye de Mazan, sur le plateau. De ces six femmes arrêtées pour sorcellerie dans un rayon de dix kilomètres entre fin septembre et décembre 1519, nous ne connaissons que ce qui subsiste des archives de leurs procès : noms, situations sociales et familiales, lieux d’habitation, charges pesant contres elles. Toutes étaient veuves, isolées, sans moyens de se défendre contre une population qui cherchait des boucs émissaires pour y déverser sa colère née des maux qui la frappait (maladie, mauvaises récoltes, pillage par les troupes armées…). Quel processus implacable a fait d’elles les rouages broyés du système créant et propageant de ville et ville les « épidémies » de sorcellerie? Étayé par les recherches historiques les plus récentes menées notamment par Laurent Haond, Sorcières d’encre exposera les processus et les raisons de ce phénomène, tout en mettant en place des dispositifs permettant de réactualiser l’Histoire par l’art, afin de s’approprier et mieux comprendre le passé qui nous habite. L’accusation de sorcellerie provoque en nous des images, véhiculées par la tradition, les cultures anciennes et actuelles, mais ces visages de « sorcières » ne sont pas les leurs. Il s’agira, par les faits historiques, les traditions populaires et les créations d’artistes, de confronter les spectateurs de Sorcières d’encre à l’image qu’ils se font de la sorcière, et qu’ils prennent conscience du processus qui peut conduire chacun d’eux à devenir un bouc émissaire ou à en désigner parmi eux. Le site Internet d’Eclore proposera à ce titre des réflexions complémentaires sur l’image de la sorcière dans notre culture. Réalisation :  Jérémy Zucchi Long-métrage – En cours d’écriture