vies et jazz, des années 50 à aujourd’hui « C’est une histoire d’amour, c’est une histoire de jazz… Racontée, jouée, belle et vivante. » Ce sont les premiers mots murmurés par Émilie Souillot dans son premier film, le documentaire Histoire (s) de Jazz, Le Hot Club de Lyon qui s’attache aux petites histoires qui font la vie et la grandeur d’un lieu. Le Hot Club de Lyon existe depuis plus de soixante ans, il a une grande histoire que la réalisatrice a voulu aborder le plus chaleureusement possible, sans la froideur qui peut être celle des documentaires historiques, car le jazz, n’est-ce pas la vie et ses imprévus ? Elle a laissé les souvenirs ressurgir, les rencontres dévoiler leurs trésors, leurs éclats de rire, leurs interrogations… Réalisation : Émilie Souillot 52 min, 2010 Distribué en salles et disponible en DVD (contact [@] eclorecreations.com) Synopsis et réflexions Autour du film Filmer le jazz Autour du film La réalisatrice Émilie Souillot a saisi quelques fragments du jazz joué au Hot Club de Lyon, du trio de Jean-Charles Demichel aux solos du saxophonistes Jon Bouteiller. Elle saisit en plan-séquence l’intégralité de Take the A Train de Duke Ellington joué par The Happy Stompers, avec le regard de celui qui découvre pour la première fois un Big-Band en live ― car elle n’avait, en effet, jamais assisté à un concert de Big Band auparavant. Histoire (s) de Jazz, Le Hot Club de Lyon est donc un film à l’ambiance intimiste, dominé par les voix subjectives de ses différents protagonistes, tous des personnes passionnées (musiciens ou simples amateurs de jazz) qui écrivent encore aujourd’hui l’histoire du Hot Club de Lyon. Le musicien Jean-Louis Billoud dans le film Histoire(s) de jazz, Le Hot Club de Lyon. C’est un film qui reconnaît les faiblesses de la mémoire (Boris Vian est-il réellement venu ?), qui embrasse tout ce qui fait l’humanité de ce lieu et de cette musique, à travers quelques histoires sur Chet Baker et Oscar Peterson, sur le saxophoniste Raoul Bruckert qui fut l’un des piliers du lieu… Sans oublier les débuts excitants mais parfois difficiles du Hot Club de Lyon, racontés par Jean Janoir et son épouse Michelle qui nous ont quitté depuis. Dans le film, « on construit tous sa propre vérité surtout autour d’un lieu qui fut le cœur de nombreux échanges et rencontres, donc d’histoires », comme l’écrit Émilie Souillot avec justesse. Que vous soyez amoureux de jazz ou non, vous sortirez sans doute d’Histoire (s) de Jazz, Le Hot Club de Lyon comme Philippe Lacroix émergeait des longues nuits passées à vivre le jazz dans ce lieu, comme il le raconte dans le film : « …Et puis on avait les oreilles qui sifflaient aussi en sortant, parce qu’on arrive dans le silence de la nuit, dans la rue. Plus de bruit, alors qu’on avait entendu… alors les oreilles sifflaient pendant un certain temps. C’est comme, après l’amour, on dit il y a des moments agréables et là aussi c’était après le jazz il y avait cette espèce d’ouate, de coton dans lequel on était qui prolongeait un petit peu l’ambiance… » Filmer le jazz Histoire (s) de Jazz, Le Hot Club de Lyon se nourrit des recherches entreprises par la réalisatrice Émilie Souillot, sur le Hot Club de Lyon et le jazz au cinéma. Peut-on filmer le jazz ? C’est pour tenter de répondre cette question que la réalisatrice a contribué en mai 2011 à l’ouvrage collectif Filmer le Jazz (Presses Universitaires de Bordeaux, sous la direction de Thierry Maligne) qui réunit réalisateurs (Bertrand Tavernier, Frank Cassenti), danseurs (Fabien Ruiz), écrivains et chercheurs (Michel Chion). Émilie Souillot a ainsi communiqué quelques unes de ses recherches et réflexions de son mémoire de master d’études cinématographiques et audiovisuelles (Université Lumière-Lyon 2, 2009). Générique Production et réalisation : Émilie Souillot Avec Jean et Michelle Janoir, Jean-Louis Billoud, Jean-Charles Demichel, Gerard Vidon, Jacques et Philippe Lacroix… Images : Sébastien Guignard et Émilie Souillot Son : Simon Dufour Montage : Émilie Souillot Post-Production et conception graphique : Jérémy Zucchi DV – Durée 52 min – Son stéréo – Couleurs, 16/9 – 2010 Distribué en salles et disponible en DVD.   Presse Adhérer à Eclore ou faire un don

Transmettre aux enfants la mémoire de la résistance Les Amis de la Fondation pour la Mémoire de la Déportation (AFMD) œuvrent pour que l’oubli de l’extermination de masse organisée par les nazis ne s’installent pas dans nos conscience. La délégation du Rhône de l’AFMD a voulu garder une trace de ses actions auprès des enfants et adolescents, et des témoignages recueillis auprès de ceux qui ont été victimes du nazisme et n’ont cessé de le combattre. De 2008 à 2010, La Force de résister s’est construit au fur et à mesure des ateliers réalisés par l’AFMD du Rhône dans des écoles primaires de la banlieue Lyonnaise (Vaulx-en-Velin et Villeurbanne), du voyage à Berlin et au camp de Ravensbrück par des élèves de troisième du collège Maurice Scève de Lyon Croix-Rousse, et des rencontres avec d’anciens résistants et déportés lors d’interviews et de conférences. Marie-Jo Chombart de Lauwe, Simone Grandjean, Stéphane Hessel, Maurice Luya et Marcel Roche témoignent pour que les enfants connaissent et n’oublient pas ce qu’ils ont vécu. Réalisation : Émilie Souillot et Christelle Thomassin Production : AFMD – délégation du Rhône 1 heure 26, 2012 Distribué en DVD par l’AFMD – délégation du Rhône (nous contacter à contact [@] eclorecreations.com) Synopsis et Réflexions Autour du film Texte de Christelle Thomassin Autour du film Les réalisatrices Émilie Souillot et Christelle Thomassin ont construit La Force de résister à partir de ces actions, un document dont se dégage une force inédite grâce au contraste entre le passé et le présent, les témoins et les enfants qui les écoutent et vont tenter de transmettre à leur tour le souvenir de la résistance et de la déportation. Des chemins douloureux de Ravensbrück aux valeurs fraternelles de la Déclaration universelle des droits de l’Homme et du citoyen, c’est une aventure humaine qui doit être découverte est partagée, car le devoir de mémoire implique la nécessité de transmettre ce que nous ne pouvons parfois pas même entendre ou concevoir, et qui pourtant est réel. La Force de résister est un film qui parle de la résistance et de la déportation au présent, même si ceux qui y témoignent, anciens résistants et déportés, s’éteignent peu à peu. Le but de ce film est que la flamme qui les anime reste vivante dans la pensée des enfants, élèves de primaires ou collégiens qui ont participé aux voyages et ateliers de l’AFMD du Rhône, et de ses spectateurs. Avec très peu de moyens pour réaliser ce long-métrage, les réalisatrices de La Force de résister ont saisi les souvenirs douloureux des anciens résistants et déportés avec une grande pudeur, mais avec aussi les éclats de rire de ces enfants qui vivent libres grâce à ceux qui ont combattu le nazisme. Entre ateliers, découvertes des lieux et témoignages, La Force de résister évoque le pouvoir que l’art possède de transmettre les faits et les valeurs défendus par les résistants et victimes du nazisme. Texte de Christelle Thomassin La création comme résistance Au sein même des camps de concentration, la culture a pu persister malgré tout pour que l’humanité survive. En effet, seules les activités culturelles/artistiques clandestines ont pu se préserver d’un monde trouble où SS et déportés rient ensemble quel qu’en soit le prix. L’œuvre inachevée de Germaine Tillion, Le Verfügbar aux Enfers, une opérette à Ravensbrück, témoigne brillamment des potentialités de l’art – dans le cas présent, une vigoureuse et virulente dénonciation du système concentrationnaire sur le mode d’une opérette où les détenues n’ont pas encore dit leur dernier mot. Car « les mésaventures du Verfügbar ne l’empêchent pas de conserver entrain et bonne humeur. Il égrène ses déconvenues sur des airs d’opérette et de chansons populaires » (Tillion). Cette bonne humeur au milieu du désastre est un geste typique du burlesque cinématographique ; son usage ici inattendu est une façon d’affirmer une résistance de l’humain envers et contre tout ». (M. Losco-Léna, Rien n’est plus drôle que le malheur) Cette « résistance de l’humain envers et contre tout », ici au moyen d’un art mineur, l’opérette, n’est peut-être pas sans nous rappeler les réflexions menées par le philosophe Ernest Cassirer nous rappelant que « dire non est l’acte initial par lequel l’homme s’élève au-dessus de l’animalité » car « la conscience humaine s’éveille quand le cri n’est pas un cri de demande, traduisant un besoin biologique […] mais un cri de refus ». Un cri de refus pouvant être sublimé par l’imagination (et par l’art) puisque en raison de  « […] sa capacité à disjoindre et de joindre de manière neuve les données offertes à la perception, elle permet de refaçonner l’univers conformément à nos intentions. » (Christophe Bouriau, Qu’est-ce que l’imagination ?) Par l’écriture d’une opérette en prise directe avec la réalité concentrationnaire, qui nous est offerte sous un autre régime des perceptions, en faisant œuvre de résistance, où « survivre [constitue] l’ultime sabotage »(préface à Opérette à Ravensbruck), Germaine Tillion manifeste avec l’art son refus quotidien de la déshumanisation programmée par le système concentrationnaire nazi. Ce refus de la déshumanisation programmée, instituée en système sur laquelle repose toute une économie, ce refus de la mort comme banalité quotidienne se trouve également au cœur de la démarche de Zoran Music lorsqu’il réalise clandestinement des dessins au camp de Dachau : « Le peintre avait en charge ces corps dont personne ne s’occupait, à qui nul ne rendrait le devoir de les ensevelir. Il les portait dans ses yeux comme on porte un corps dans ses bras. Les regardant, il leur témoignait les derniers égards. Les dessinant, il les voyait. Les découvrant, il posait sur leur nudité scandaleuse le voile miséricordieux du regard. » (Jean Clair, La barbarie ordinaire. Music à Dachau, p. 39) Ce qui aurait pu s’apparenter à un travail de documentation visuel, tel un reportage saisi dans l’œil du cyclone, demeure dans le sillage de l’art. Un art sacré, dans un lieu voulu sans sépultures, finement perçu par Jean Clair qui, n’hésitant pas à rapprocher les dessins du peintre à l’art antique des imagines maiorum (« effigies des ancêtres ») – cette « obligation faite aux vivants de façonner et de garder l’image